Многочисленные эксперименты и наблюдения за работой разных звукорежиссеров приводят к глубокому убеждению, что сведение – это некий дар, который дается людям гораздо реже, чем музыкальный слух. Как для работы с графикой принципиально необходимо иметь откалиброванный видеомонитор, который не искажает геометрию картинки и верно передает цвета, так и в нашем случае звук из колонок, который мы слышим, – это единственный ориентир для нас. Некоторую помощь могут оказать наушники, но в основном работают все-таки с колонками.
К сожалению, в отличие от видеомониторинга мониторинг звука гораздо сложнее. Дело в том, что звуковые волны имеют свойство отражаться от стен, потолка, пола и от различных предметов, окружающих вас, причем в зависимости от высоты волны свойства отражения меняются. Удачное положение мониторов можно попробовать найти экспериментальным путем. Грубо говоря, чем больше заглушена комната, тем лучше: например, ковры и мягкие диваны, толстые шторы помогают уменьшить отражения средних и высоких частот.
ТЕОРИЯ ПЯТИ ЭЛЕМЕНТОВ
При сведении песни (и при создании аранжировки) все инструменты, звучащие в песне, включая вокал, принято условно разделять на пять элементов:
— Foundation – это, как правило, барабаны и бас или одни барабаны;
— Rhythm – контрапункт, движение, дополняющее основное; к примеру, гитара, сыгранная на вторую долю в регги;
— Pad – обычно клавиши, играющие длинные ноты (на музыкальном жаргоне это называется «давить пасту»);
— Lead – вокал или солирующий инструмент;
— Fill – заполнения, связывающие отдельные части песни между собой.
Основная идея состоит в том, что одновременно не должно звучать больше четырех элементов. Причем количество инструментов может быть любым. Пример: гитара начинает играть вместе с барабанами и басом один рифф (ритмический рисунок) и вместе с ними относится к элементу Foundation, потом она в куплете переходит в элемент Rhythm, играя альтернативный основному рисунок, далее в элемент Lead – соло, затем снова в элемент Foundation и т. д. Если вы проанализируете какие-либо известные песни, то обнаружите, что действительно, когда поет вокалист, не играет соло-гитара (одновременно) и вообще в грамотной аранжировке инструменты не перебивают, а дополняют друг друга, что, конечно, упрощает сведение.
ТЕХНОЛОГИЯ И ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ ДЕЙСТВИЙ
Приступая к работе над песней все треки удобно разбить на несколько групп:
— барабаны;
— перкуссия (шейкер, тамбурин, конги и т. п.);
— бас;
— гитары;
— клавиши;
— основной вокал;
— бэк-вокал.
Для этого в программах есть возможность перенаправлять выходы с каналов на дополнительные шины, так называемые bus или submix. Дело в том, что в некоторых случаях требуется обрабатывать всю группу инструментов целиком, например, во всех гитарах подрезать «низ», чтобы они не пересекались с басом в области низких частот. Используя подгруппу (submix), мы упрощаем себе работу и экономим ресурсы компьютера, потому что нам достаточно одного эквалайзера на все гитары.
Далее создаем дополнительные aux-шины – специальные каналы, на которые «вешается» пространственная обработка, ревербератор или задержка (delay). И если через submix сигнал идет целиком, то на aux он посылается дополнительной ручкой (send aux) и позволяет нам использовать одну обработку на много каналов.
Здесь необходимо сделать еще одно отступление. Очень часто бывает, что, после прослушивания «примерного» микса хочется что-то добавить, а потом начинает не хватать еще чего-нибудь – и так далее. Как правило, результатом такого подхода становится перегруженный мастер. Если вам кажется, что чего-то не хватает, подумайте, а не мешает ли один инструмент другому, возможно их надо развести по панораме или из одного убрать частоты, доминирующие в другом. Перед тем как добавить громкость, попробуйте другие способы. При сведении желательно, чтобы общий уровень микса в мастер-секции был максимальным, но ни в коем случае ни перегруженным. Не забывайте контролировать его на протяжении всего процесса сведения.
Подготовившись, приступаем к сведению. Начинают обычно с барабанов. Выставим громкость барабанов или лупов примерно -7-10 дБ по индикатору в мастер-секции. Это будет отправная точка. По мере добавления остальных инструментов общий уровень будет расти. Далее добавляем бас и проверяем его сочетаемость с бочкой (kick, большой барабан). Для того чтобы они «женились», их частотные характеристики должны быть немного разными, то есть если бас очень низкий, то бочку делают серединной или наоборот.
Создав основу, включайте вокал и отстраивайте его вместе с ритм-секцией. Чтобы слушатель мог разобрать слова, приподнимите частоты в районе 3-4 кГц, а для общей плотности немного закомпрессируйте голос. Теперь добавляйте гитары. В них обычно отрезают самый низ от 80-100 Гц и немного убирают серединку от 400-1000 Гц. Не стоит также добавлять много верха, иначе гитары будут мешать вокалу. Спектр клавишных очень широк – это и рояли, и синтезаторы, и всевозможные эффекты. Поэтому конкретные советы по их обработке давать трудно. В каждом случае она может быть разной.
БАЛАНС И ПАНОРАМА
Взяв за основу барабаны с басом и вокал, выстраивайте баланс остальных инструментов между ними, стараясь создать ровный и насыщенный микс. Помните, что у всех инструментов свой частотный диапазон, – не добавляйте к ним несвойственных им частот. Прописывайте громкости на треках, прибирая одни инструменты во время солирования других (имеются в виду инструменты, близкие по диапазону).
Панорама – это изменение баланса между сигналами из левой и правой колонки. Поворачивая ручку панорамы, мы в одном канале добавляем уровень, а в другом пропорционально убираем. При этом кажущийся источник сигнала перемещается между колонками. Разводя инструменты по панораме, мы создаем объемное звучание микса. Как правило, бочка, малый барабан и голос панорамируются в центр, а все остальное – по вкусу. Лучше соблюдать симметричность в панорамировании, не допуская больших перекосов в какую-либо сторону.
ДИНАМИЧЕСКАЯ ОБРАБОТКА
К динамической обработке относятся компрессоры, лимитеры и экспандеры – приборы (или их виртуальные аналоги), способные увеличивать-уменьшать динамический диапазон. Компрессоры уменьшают разницу между самым тихим и самым громким звуком – в некоторых случаях это помогает выровнять громкость. Кроме того, они используются для создания эффектов. Наконец, с их помощью добавляют атаки, остроты, например в барабанах. Компрессоры можно использовать почти со всеми инструментами, исключая лишь перегруженные гитары (они и так ровные) и тарелки на барабанах (компрессия сразу слышна).
Экспандеры, в отличие от компрессоров, тихие звуки делают еще тише, а громкие, соответственно, громче. Применяются, когда нужно уменьшить лишние призвуки между отдельными частями – к примеру, на треках с альтами и томами, которые играют эпизодически, а резонируют все время. Лимитер – это жесткий ограничитель, устанавливающий предел, выше которого сигнал уже не поднимется. Его можно использовать в мастер-секции для лимитирования отдельных пиков (в пределах не более -3-5 дБ.)
Для начала устанавливайте пресеты, зашитые в плагинах, и смотрите на значения ручек. Анализируйте, какие параметры к каким инструментам применяются – это хороший способ понять возможности динамической обработки.
ПРОСТРАНСТВО
Обычно при сведении живой (не электронной) музыки с помощью обработки (reverb, delay) создают некое пространство, в котором находятся все инструменты, – моделируют окружение. Это может быть стадион или клуб, концертный зал или церковь, а может быть горное ущелье. Как правило, во всех ревербераторах (приборах, имитирующих отражения звуковых волн в разных условиях) есть готовые предустановки, которые так и называются: room, plate, church, hall и т. п. В электронной, танцевальной музыке чаще используют delay, который подстраивают под темп композиции так, чтобы он создавал дополнительное движение.
МАСТЕРИНГ
Часто, когда в процессе записи обнаруживается грубая ошибка, музыканты шутят: «На мастеринге поправим». Это что-то вроде «горбатого могила исправит». Во время сведения создается один стереотрек из множества стерео- и монотреков, мастеринг же проводят с результатом сведения. Иначе говоря, это последняя обработка записи перед ее запуском в массовое производство на CD, аудиокассетах и т. д. На рисунках – сведенная песня «Хорошо» до и после мастеринга.
Как видите, вторая фонограмма выглядит плотнее и мясистее. С одной стороны, во время мастеринга происходит сужение динамического диапазона фонограммы: подтягиваются по громкости тихие и уменьшаются громкие звуковые фрагменты в расчете на тиражирование на определенных носителях (для CD динамический диапазон – 90 дБ, для кассет – около 40-45 дБ). Но дело не только в том, чтобы запись хорошо и плотно звучала на кассетах и СD.
Во-первых, потеря в динамике для субъективного восприятия не означает потерю в громкости. Человеческое ухо воспринимает громкость, реагируя в большей степени на мощность сигнала, чем на его пиковые значения. Во-вторых, многополосная компрессия (своя для каждого спектра частот), применяемая во время мастеринга, реально улучшает субъективные характеристики восприятия песни. Это значит, что при хорошем мастеринге как минимум 90 из 100 опрошенных людей, не договариваясь между собой, отдадут предпочтение «мастеренному» варианту. Получается, что субъективное восприятие каждого из них складывается во вполне определенную объективную картину.
Многие люди, вращающиеся в околомузыкальных кругах, полагают, что мастеринг вообще и компрессия в частности (как основной ее элемент) калечат и искажают звук. В таком случае почему же мы не говорим, что любое препятствие на пути следования звуковой волны, любое помещение, любая оцифровка, любое воспроизведение с механического носителя механическим устройством через мониторы, изготовленные из механических частей, искажают звук? Почему, в конце концов, использование компрессоров (а иногда и лимитеров) на голосе, гитарах и других инструментах в ходе записи не рассматривается авторами этих утверждений как искажение звука, а считается таковым только во время финальной стадии работы, то есть во время мастеринга?
Все, что мы слышим по радио, все, что доходит до нас на любых аудионосителях, сделано с применением мастеринга и компрессии в расчете на наши высокие (во всяком случае, технические – художественные оставим в стороне) требования к уровню качества. Другое дело, что мастеринг сейчас делают все кому не лень, и среди этих персонажей гораздо больше тех, кто называет себя профессионалами, чем тех, кто реально чего-то стоит. Есть и такие «мастера», которые действительно могут покалечить звук хорошего сведения.
Настоятельно рекомендуем вам попытаться сделать мастеринг на своем домашнем компьютере самостоятельно. Сравнение вашей любительской поделки с иной работой якобы профессионала вполне может оказаться не в пользу последней.
В качестве мощной программы для мастеринга с большим количеством готовых пресетов и обилием настроек можно порекомендовать iZotope Ozone 3 (Analog Mastering System, www.izotope.com). Другой вариант – известный плагин T-RackS (Analog Modeled Mastering Plug-In, www.t-racks.com) компании IK Multimedia или его программная (stand-alone) версия T-RackS 24 v2.xx.
При мастеринге обычно применяются три основных инструмента: эквалайзер, компрессор и лимитер. Эти инструменты в T-RackS графически представлены в виде отдельных панелей. С помощью входящего в состав пакета шестиполосного параметрического эквалайзера можно отбалансировать фонограмму по соотношению низких, средних и высоких частот, а также выровнять спектры частот с учетом звучания других песен на альбоме. (Согласитесь, странно будет, если во время прослушивания альбома придется то добавлять, то убирать высокие или низкие частоты.)
Компрессор – основной инструмент мастеринга. Именно он отвечает за плотность итогового звучания. При удачном подборе параметров компрессии тихие, плохо различимые после обычного сведения инструменты становятся более читаемыми, общая звуковая картина приобретает прозрачность (как будто кто-то снял с мониторов вату). Как работает классический жесткий компрессор? Он ничего не делает с сигналом, который не превышает некоего порога срабатывания (threshold). Как только уровень сигнала превышает допустимый, начинается его подавление.
Мягкий компрессор работает все время. Степень компрессии тем больше, чем выше уровень сигнала. Компрессор T-RackS очень качественно эмулирует (не только на картинке) теплый звук мягкого лампового компрессора.
Основные параметры компрессии:
— Ratio — глубина компрессии; показывает, во сколько раз ослабляется сигнал;
— Threshold — порог срабатывания;
— Attack time — время атаки компрессии;
— Release time — время затухания компрессии (или время восстановления сигнала).
Из остальных параметров в T-RackS имеются:
— Input Drive –усиление сигнала на входе компрессора;
— Stereo En. – расширение стереобазы;
— Patch – порядок коммутации эквалайзера и компрессора;
— Bypass – отключить компрессор;
— Reset All – сбросить настройки.
Иногда при мастеринге удается усилить фонограмму за счет использования лимитера (ограничителя сигнала). Лимитер – это жесткий компрессор-экстремал, с маленькой атакой и бесконечной глубиной. Он может сделать звук еще более плотным и громким, а может вообще привести к его полной или частичной потере. Все зависит от правильности выбранного вами уровня (в T-RackS – Overload). В большинстве случаев подходит 0 дБ.
Использование компрессора и лимитера таит в себе одну опасность: можно слишком сильно пережать звук. Эта ошибка, связанная с отсутствием хорошей акустики при мастеринге, как раз и приводит к потере прозрачности и неприятному искажению сигнала. Если у вас нет опыта, то не пытайтесь сразу крутить все возможные ручки. Воспользуйтесь стандартными пресетами (нажмите на кнопочку Load). Уверяем вас, в этом нет ничего унизительного. Их подбирали грамотные люди, и не исключено, что вам подойдет какой-нибудь стандартный вариант, который надо будет лишь чуть-чуть подкорректировать.
И последнее: после мастеринга больше ничего не делайте в этой песне с частотами и динамикой.
